La ópera de Richard Wagner regresa a A Coruña tras más de cien años

La Temporada Lírica traerá a intérpretes de la talla de Philippe Jaroussky, que recalará en el Palacio de la Ópera el 19 de enero

S. AcostaA Coruña / La Voz, 02 de julio de 2015. Actualizado a las 05:00 h.

Cesar Quian«La última ópera de Richard Wagner representada en la ciudad fue en 1907 y más de un siglo después uno de los principales compositores del siglo XIX regresa a A Coruña con El holandés errante», explicó ayer César Wonenburger, director artístico de la Temporada Lírica que organizan de forma conjunta y por segundo año consecutivo el Consorcio para la Promoción de la Música, entidad de la que depende la Orquesta Sinfónica de Galicia, y la Asociación Amigos de la Ópera. La cita con Wagner será el 9 y el 11 de junio del próximo año en el Palacio de la Ópera de A Coruña y contará con producción propia. Además, El holandés errante servirá para rendir homenaje al tenor de Malpica Ignacio Varela: «Una ópera que bien podría situarse en la Costa da Morte, el lugar donde nació Varela, el tenor que conquistó La Scala de Milán y fue requerido por Nicolás II de Rusia para las celebraciones de su coronación», recordó Wonenburger.

Otra de las novedades de la temporada es que por vez primera se interpretará una obra de Richard Strauss en A Coruña. La ópera Salomé estará dirigida por el afamado director Eliahu Inbal tras su triunfo de hace dos años con Tristán e Isolda. Además, la ópera contará con la interpretación de la soprano Lise Lindstrom, la nueva Salomé de la Ópera de Viena.

Tras el éxito que alcanzó Philippe Jaroussky, en la pasada temporada, la gran estrella de los contratenores actuales regresa para cantar una ópera completa en Galicia: La Parténope de Haendel. Será el 19 de enero, en el Palacio de la Ópera, a las 20 horas, en versión de concierto. Otra de las grandes figuras de esta temporada y que visitará por vez primera A Coruña es Barbara Frittoli, que será la protagonista «de la más íntima y delicada creación de Giacomo Puccini, Suor Angelica, pocas veces interpretada pese a la belleza y hondura de su música», según resalta la organización. Suor Angelica se ofrece en programa doble con El castillo de Barbazul, del húngaro Béla Bartók.

La Temporada Lírica arranca de forma oficial los próximos 3 y 5 de septiembre con la obra El trovador, de Verdi, y en la que se darán cita cuatro de las más reconocidas voces actuales en el repertorio verdiano como el tenor Gregory Kunde, que en la próxima temporada llevará su aclamado Manrico al Convent Garden de Londres -según explicó Wonenburger-;  Angela Meade, «que no necesita presentación»; y el barítono Juan Jesús Rodríguez, considerado por la crítica británica como «uno de los grandes barítonos verdianos de todos los tiempos». También participa en esta ópera la impresionante mezzo norteamericana Marianne Cornetti. Además, se da la circunstancia de que toda la escenografía de la nueva producción se elaborará íntegramente en Galicia.

En el ciclo Grandes Cantantes desfilarán voces tan importantes como el tenor mexicano Ramón Vargas o la soprano rusa Olga Peretyatko, entre otras figuras.

La Opinión A Coruña

Wagner vuelve después de 100 años

La Temporada Lírica 2015-2016 representará ‘El Holandés Errante’, estrenará en la ciudad la versión completa del ‘Salomé’ de Verdi y hará “guiños” a Cervantes y Shakespeare

La vocalista sueca Ann Hallenberg la opinión

Enrique Carballo | a coruña

El director artístico de la Temporada Lírica, César Wonenburger, considera que en la ópera coruñesa hay “huecos y anomalías” que cubrir. En la ciudad, con “una de las principales asociaciones wagnerianas de España”, no se represente una ópera del dramaturgo sajón desde 1907 y, pese a tener una tradición operística iniciada en el siglo XVIII, no ha escuchado nunca una ópera completa de Richard Strauss. Para cubrir estas carencias, el programa de la Temporada Lírica de 2015-2016, presentado ayer, incluirá la ópera de Wagner El Holandés Errante el próximo junio y la versión para concierto de Salomé, de Strauss, el 13 de febrero.

La programación empezará el 3 de septiembre con Il Trovatore de Verdi, e incluirá El Castillo de Barbazul de Béla Bartók, el Parténope de Haendel y West Side Story, de Bernstein, inspirado en Romeo y Julieta. Esta obra, en palabras de Wonenburger, servirá como “guiño” al cuarto centenario de la muerte de Shakespeare, en 2016, y cerrará la programación del año lírico. Para honrar a Cervantes, muerto el mismo año, se incluye entre los eventos de abril el concierto Melodías del Quijote.

Los conciertos de esta segunda edición de la Temporada Lírica homenajearán a la música americana, con un concierto de tributo a Sinatra protagonizado por Borja Quiza y una selección de canciones de Porter, Gershwin y Rodgers & Hart entonadas por Lise Lindstrom. También visitarán A Coruña voces como las de la soprano rusa Olga Peretyatko, la vocalista italiana Mariella Devia, el tenor canario Celso Albelo o la mezzo-soprano sueca Ann Hallenberg, y habrá espacios para proyectos didácticos como un curso de interpretación vocal impartido por Alberto Zedda y un espectáculo de ópera en familia basado en la vida de Rossini.

Esta edición de la Temporada Lírica estará dedicada al tenor Ignacio Varela, nacido en una familia marinera de Malpica en 1864 y que llegó a cantar en la Scala de Milán y la coronación del zar Nicolás II.

J. L. JIMÉNEZabcengalicia / la coruña

Día 21/06/2015 – 12.13h

ABC invita a una charla abierta a cuatro de los protagonistas de «La Flauta Mágica», el último título de la Temporada Lírica de La Coruña

m. muñiz

Mariola Cantarero, María José Moreno, Francisco Corujo y Borja Quiza

Llegan poco a poco al Palacio de la Ópera. Mariola Cantarero, María José Moreno, Francisco Corujo y Borja Quiza serán cuatro de las caras del reparto íntegramente español de la «Flauta Mágica» que el próximo fin de semana se representa en La Coruña. Toman asiento y comienza la tertulia.

—ABC: No es habitual encontrar una ópera representada en España con 100% de cantantes españoles

—Mariola Cantarero: ¡A ver si cunde el ejemplo!

—María José Moreno: En España tenemos un complejo de inferioridad tremendo y pensamos que lo nuestro es peor. Pasa con los cantantes y en otros campos. Hay que demostrarlo fuera para que te den posibilidades dentro.

—Borja Quiza: En Italia me cancelaron un par de contratos y la justificación era que, precisamente por la crisis, tenían la responsabilidad de dar más trabajo a los cantantes italianos. En España es al contrario. Es una pena. Luego se quejan de que no tenemos figuras, pero tampoco dan oportunidades.

—MC: Habláis de los que contratan, pero no del público, que quiere a sus cantantes, y tiene que irse fuera de España a verlos.

—ABC: ¿Notan en el público ese calor especial con los cantantes españoles que puede faltar en algunas direcciones artísticas?

—MJM: El público es agradecido cuando lo haces bien. La pena es que puedes tener mucho éxito pero a los directores del teatro les da igual. Quieren nombres que estén en teatros internacionales antes que gente que cante bien y tenga éxito.

—Francisco Corujo: O no, porque también hay nombres muy desconocidos que vienen aquí.

—MJM: A veces vienen gente a debutar papeles a España que no tenía prácticamente ninguna experiencia pero como son extranjeros ya parece que son mejores. ¿Cuándo te dejan debutar un papel en España siendo español?

—MC: Bueno, igual en un teatro pequeño, un segundo reparto.

—BC: O en La Coruña. Aquí es verdad que siempre se han portado bien.

—ABC: ¿Es La Coruña esa excepción al resto de teatros a la hora de contar con cantantes nacionales?

—BQ: En mi caso se han portado genial, porque me han dado papeles en la medida en que yo he ido evolucionando como cantante.

—FC: En mi caso también, y eso que yo no soy gallego.

—MJM: Están haciendo un esfuerzo por los jóvenes, con recitales y dando papeles quizás no protagonistas, pero sí pequeños roles para que avancen.

—MC: En esta «Flauta» hay nueve cantantes gallegos, por ejemplo.

—FC: Las cosas en Galicia se han hecho bien. Hay una generación de cantantes formada aquí.

—BQ: Y que se empaparon de esto gracias al contacto con el Festival de Ópera. Mi anécdota de estos días es que esta producción de «Flauta Mágica» la hice de figurante hace catorce años. Y lo digo con orgullo porque ahora puedo hacerla de nuevo pero de Papageno.

—ABC: Tienen una cosa en común los cuatro, y es que habéis sido profetas en vuestra tierra.

—MJM: Cuando la gente lo hace bien y recibe el cariño del público, lo normal es que, si un director artístico no es muy cerrado, la dejen seguir cantando. También es verdad que cuando yo empecé había más teatros en provincias que ahora con la crisis. Daban posibilidades a los que empezábamos. Para poder cantar en el Teatro Real tardé un tiempo.

—BQ: Hay un tema de marketing en el que se pierden los programadores: el fenómeno fan hay que utilizarlo, porque funciona. Al final a la gente le encanta conocerte, y verte al año siguiente, y saber que eres español. Los programadores están obsesionados con los cantantes internacionales que a veces solo les interesan a ellos.

—MC: Tampoco tiene que parecer que merecen un contrato por el mero hecho de ser españoles. Tenemos la suerte de que hay muchos cantantes españoles con gran prestigio internacional y no se tira de ellos. Pero debe contarse con ellos porque son buenos, no solo españoles.

—MJM: Tenemos más discriminación en España que fuera. En el extranjero no te preguntan de dónde eres, te audicionan y punto.

—ABC: ¿Hay igual una manía en el programador en priorizar la venta de entradas con cantantes de relumbrón y dejar en un segundo plano que el reparto sea mejor o peor?

—FC: Hemos salvado esa tendencia provinciana, que pasaba durante el boom económico, donde querían que en cada pueblo hubiese ópera con los mejores cantantes del mundo. Eso nos restaba posibilidades a los que empezábamos.

—BQ: En vez de cinco óperas hacían dos pero con figurones.

—MJM: También hay obras y obras. Algunas se venden solas. Con una «Traviata» vas a llenar, cante quien cante. Luego hay obras no tanto de repertorio que si igual no tienes un cantante más famoso puede costar más vender.

—FC: A día de hoy los teatros de temporada deberían tener un porcentaje alto de títulos de repertorio, por la propia supervivencia de la ópera.

—MC: Esa política de los teatros italianos es la que debería haber aquí. Ahora estamos volviendo poco a poco, eso es verdad. Pero ha habido un periodo en el que no se contaba con gente de aquí ni para secundarios, y la gente tiene que comer.

—BQ: Además te cargas una profesión.

—ABC: ¿Sirvió aquel boom para acercar de verdad la ópera a todos los públicos y despojarla de ese manto clasista?

—PC: Que la ópera es un espectáculo clasista y elitista, ¿no es más un tópico más que una realidad? Yo ya no lo veo así. Pudo ser, y quizás se arrastra.

—BQ: El problema del elitismo está en la programación. Determinados programadores no son conscientes de para qué público programan. Y un determinado número de culturetas quieren llevar esto a un punto que sólo lo separa cada vez más del público. Según qué cosas hay que darlas en pequeñas dosis.

—FC: No todo vale en las programaciones.

—BQ: Si hay títulos que siguen llenando y se han mantenido 300 años, por algo será.

—PC: Yo me aficioné al fútbol gracias al Real Madrid, y a la ópera gracias a un cassette de canciones napolitanas de Pavarotti. No me aficioné a la ópera gracias a…

—BQ: ¡A una producción de Tcherniakov!

—FC: No, no, mucho más simple. Me aficioné con lo más popular. Y lo descubrí ahí. No me aficioné por un título contemporáneo ni porque en el colegio me llevaran a ver una obra recuperada de un autor olvidado.

—BQ: Hay un grupo reducido de programadores, cantantes y aficionados que consideran vulgar representar «Traviata». ¿De qué estamos hablando?

—FC: Aquí estamos haciendo «Flauta Mágica», que es un operón, y que con los recitativos en español estoy convencido que es asequible para cualquier edad.

—BQ: No hacerlo así es alejar al público cada vez más. La gente se nos pone purista pero eso sólo aleja a los nuevos públicos.

—ABC: ¿La palabra maldita es «agente artístico»?

—MJM: Hay agente que intentan hacer bien su trabajo y los teatros no les hacen del todo caso. No son inútiles. Trabajan… Luego hay muchos agentes que lo único que hacen es aprovecharse y poner la mano.

—FC: ¿Cuál es el trabajo de un agente? Promocionar su cartera de cantantes y luego, dependiendo del código moral que tenga, dentro de esa cartera tiene que desprestigiar a otros cantantes fuera de su agencia, o establecer escalafones dentro de su propia cartera. Lo peor que puede hacer un agente es hablar mal de un cantante propio o intentar quitar de en medio a una persona por ser de otra agencia para que suba uno suyo. El gran problema es que se juega con las personas.

—BQ: Antiguamente, el programador bajaba con el contrato tras la función a firmar con el artista en su camerino el título del año siguiente. No había audiciones ni tanto mercadeo de mesa.

—ABC: Hace unos días, el barítono Juan Jesús Rodríguez acusaba a un agente de querer retirarlo de «La Traviata» del Real antes del estreno.

—MC: Habría que escuchar a la dos partes. Sabemos a qué agente se refería. También sabemos cómo actúa Juan Jesús y cómo hace. Haciendo lo que ha hecho pone en primera fila a los agentes y los teatros, y no a él como cantante. Se genera una polémica que da importancia a quien no la tiene. Flaco favor hace a los cantantes, aunque acabemos luego diciendo «qué narices tiene, qué valiente es» y todo eso. Si prefiere decir eso a hablar de su éxito en «La Traviata», que le ha ido fenomenal, cuando ha vuelto al Real tras tantos años… Disfruta de eso.

—MJM: ¿Pues sabes qué, Mariola? Creo que está muy bien decir lo que uno cree. Ya está bien de ser amables.

—PC: Al menos dices tú verdad.

—BQ: Acabamos de hablar de eso aquí, de ese ninguneo que sentimos los artistas, y lo hemos hecho de una manera más diplomática. Las cosas hay que decirlas, pero de otra manera.

Joan Font: “Si fuéramos gregarios mediante la danza y no el fútbol, la sociedad respiraría mejor”

“La flauta mágica’ es terrible para la mujer, pero al final es una obra sobre la igualdad” – “Quiero hacer una ópera para niños, que hable de divorcio, homosexualidad…”

El artista Joan Font, director artístico del montaje de ‘La Flauta Mágica’, en el Palacio de la Ópera. víctor echave

Enrique Carballo | a coruña

Joan Font lleva siendo el director de escena Comediants desde sus orígenes, en 1971, organizando la ceremonia de las Olimpiadas barcelonesas del 92 y diversas Exposiciones Universales. Ahora dirige la ópera de Mozart La flauta mágica, que se representará los próximos jueves y sábado en el Palacio de la Ópera a las 20.00 horas.

-¿De qué se ha encargado?

-De la creación del proyecto. Haces la lectura de La Flauta Mágica, de cómo te gustaría contarla, la escuchas, intentas crearla, buscas el equipo e hilvanas lo que te has propuesto. Es importante que lo que te has propuesto mentalmente ligue mediante la música.

-¿Qué le gusta de esta ópera?

-Permite poder ofrecer jóvenes cantantes. Tamino, Pamila, Saraso, Papageno, tienen que ser gente experta. Pero están las tres damas, los niños, sacerdotes? Te permite ser escuela de ópera. Tiene tres tipos de música muy diferentes: una romántica; una popular, de Papageno, que la conoce todo el mundo y es un hit; y la música sacra, masónica, que combinan perfectamente.

-¿Cómo es su lectura?

-Hay varias miradas. Hay un viaje iniciático; el protagonista pierde la espada y las flechas, el metal, es un símbolo masónico, está la serpiente que le ataca, que es símbolo que da miedo y al mismo tiempo te atrae? En mi versión recupero la dimensión de cuento. Los autores querían acercar la masonería a la gente, al pueblo, contarles la simbología. La flauta mágica juega a la distorsión de las realidades: para Tamino es una y para Papageno es otra [ambos son coprotagonistas de la ópera, el primero, un príncipe y el segundo, un hombre-pájaro]. Pero los dos llegan al final. Y el texto es terrible para las mujeres, hay un momento que es muy misógino, pero al final, Pamina es la primera mujer en romper el círculo masculino de toda la obra.

-Eso no pasaba en la logia.

-Era imposible. En cambio Mozart abre una puerta a la esperanza. Es de la época, actúa como la época, pero en los últimos quince segundos, y en mi versión queda clarísimo, es una obra también sobre la igualdad de oportunidades. No sé ya si cobrarían lo mismo (ríe).

-¿Es una obra muy jugosa para jugar con la riqueza de trajes y escenarios?

-Es una gozada. Yo soy muy amante de los libros como objeto. Mi familia es muy humilde, pero tenía libros de estos con pestañas, con gafas, que se abrían y salía la casa de Hansel y Gretel? Estas cosas siempre me han gustado. El cambio de escenografía da juego a inventar, que sea una gozada visual. Y es todo muy sencillo, muy artesanal.

-¿Es todo analógico, vaya?

-El analógico llevado hasta las últimas consecuencias. La nube se mueve pero hay cuatro tíos abajo que la llevan. Me he inspirado mucho en las guirnaldas. La base del vestuario, la escenografía, es que todo es como un desplegable.

-¿Cuál es el futuro de la ópera?

-Hay que hacer nuevas. Pero en la ópera, donde la música es el elemento principal que sostiene el género, más que el texto, no hemos encontrado todavía el compositor musical. Y en cambio, hay grandes musicales y grandes bandas sonoras de películas. Yo quiero hacer una ópera para niños en la que les cuente lo que es un Ipad. Tenemos la obligación de que los niños vean una ópera que les llegue a ellos. Que hable del divorcio, de homosexualidad, de drogas para los jóvenes?

-¿Qué hay que cambiar?

-Se tiene que renovar, en el mejor sentido de la palabra. Y eso quiere decir tener los clásicos, como en teatro, donde no se ha dejado de hacer a Shakespeare. Si no haces lo que te corresponde en tu tiempo te quedas solamente con lo clásico. Que no deja de ser un museo animado. Que los músicos entiendan que hay que acercarse de verdad. No hacer tu parida, tiene que ser inteligible para público y cantantes, no hacer la obra solamente por técnica.

-¿Comediants sobreviviría a su jubilación?

-Es complicado. Comediants no está subvencionado. Y creo que tendría que serlo, porque hemos sido una bandera de España y Cataluña por todo el mundo. Pero somos un barco grande. Estas dimensiones en este país se acabaron: no hay dinero, la cultura se ha ido olvidando.

-¿Pasa por un bache?

-Yo creo que estas historias son cíclicas. Puedes hacer un monólogo genial, pero la emoción de la ópera no se puede equiparar. Hay una orquesta, cuarenta o sesenta tíos a la vez, en directo, un coro, cantantes. Y las Olimpiadas de Barcelona funcionaron, son referencia en todo el mundo. En este país somos grandes creadores, pero la cultura siempre ha sido una cosa que molesta. Un Estado del Bienestar tiene mucho respeto a que no se pierdan las cadenas de transmisión de experiencias, cultura, historia?

-En los 60 y 70 nacieron Joglars, La Fura dels Baus, Comediants. ¿Mueren ahora?

-En cierta manera sí. Todo tiene que morir, y muere como ciclo, y está generando otras maneras de crear. Que las nuevas maneras se generen, pero que las cosas buenas de lo antiguo permanezcan. ¿Qué problema hay con estar con una tostada con ajo y un buen vaso de vino delante del ordenador? Esto hay que potenciarlo en la cultura, la música… Y en los planes de estudio, todo lo contrario: nada de música, danza, pintura, teatro? En cambio los finlandeses no hacen matemáticas ni escritura, hacen danza. Y funciona. Crean, despiertan la mente en la creación, la comunicación.

-¿Qué aportan entonces la danza y la música?

-Primero, emoción. Segundo, convivir en comunidad, el ser humano es gregario y no quiere estar aislado, va al fútbol para sentirse partícipe de algo más. Pero si lo hicieran a través del teatro, de la música, de los libros, la sociedad respiraría mejor. Nosotros hacemos de catalizadores de una sensibilidad y de abrir puertas y ventanas al ser humano. Sin ninguna pretensión.

SABINE WEISS

Campó, con Marcello Cortis y Nicolai Gedda en la grabación de «Don Giovanni»

En julio de 1956, la interpretación de un cantante como el Don Giovanni mozartiano en el festival de Aix-en-Provence hizo a Pablo Picasso levantarse de su asiento, un impulso todavía más efusivo cuando supo que era un intérprete español. No dudó en saludarlo tras la función y pedirle un disco para conservar para siempre su voz y su canto. De cómo pudo ser aquella función nos hacemos una idea gracias a la grabación que EMI hizo con el mismo reparto. Aquel Don Juan que hablaba español era Antonio Campó (1922-1988), a quien estos días la Temporada Lírica de La Coruña recuerda con motivo de los 60 años de su debut en la ciudad, dedicándole una conferencia y las dos funciones de «La flauta mágica», a final de mes.

En aquella ocasión se subió al escenario del Teatro Colón para encarnar al Conde de Almaviva en «Faust» y «La Forza del Destino». Era 1955. Había hecho realidad su sueño de ser cantante, formándose en La Coruña, Madrid y Milán, primero como bajo cantante y posteriormente consolidándose como barítono. No fue fácil. « Su padre le dijo que o hacía Derecho, o no lo dejaba estudiar canto», recuerda su viuda, Paz Pestonit, «hizo náutica y le permitieron entregarse a su sueño».

Debutó en 1946 en Bilbao junto a la soprano coruñesa María Luisa Nache —también recordada con justicia por la Temporada Lírica— y de su trayectoria internacional da cuenta la nómina de intérpretes junto a los que cantó: Beniamino Gigli, Franco Corelli, Mario del Monaco, Nicolai Gedda, Anna Moffo, Renata Tebaldi, Carlo Bergonzi, Ettore Bastianini o Cesare Siepi. Una nómina de estrellas con sitio propio en la historia de la ópera. Campó llegó incluso a cantar en la coronación de Isabel II de Inglaterra.

«En el teatro era fabuloso, con una prestancia natural en el escenario», evoca Pestanit, quien por primera vez lo escuchó cantar como el Conde de Luna en un «Trovatore» representado en La Coruña. Lo había conocido meses antes, curiosamente mientras presenciaba una obra de Esquilo en la demolida Plaza de Toros herculina. Luego fue oírle cantar y la consecuencia fue una vida en común. «Era un compañero maravilloso, de una gran sensibilidad», añade, «y todo el mundo que habla de él dice que era un señor, todo un caballero».

Quizás por eso su rol más personal sea el « Don Giovanni » mozartiano. Quizás también por eso, por compartir señorío, forjó una amistad con Alfredo Kraus inquebrantable, hasta el punto que el maestro canario fue padrino de su hija, la célebre cantante Marta Sánchez. Porque Campó era Sánchez Camporro, y accedió a jugar con los apellidos por aquello de la mercadotecnia y un consejo de su profesora de canto Lola Rodríguez Aragón.

Juntos, Campó y Kraus cantaron «Marina», «Rigoletto» o «Pescadores de Perlas», e incluso grabó «El retrablo de Maese Pedro» de Falla. La mala fortuna se cruzó con Campó, al que una dolencia de oído lo retiró prematuramente de la escena en 1966, tras apenas veinte años de carrera. Quedaron su recuerdo y su legado, que ahora La Coruña reivindica con justicia.

«La flauta mágica» de los gallegos

Nueve de las 16 voces de la ópera, de protagonistas a secundarios, son de Galicia, «porque aquí hay cantera y entrenador que apuesta por ella»

 

Pasillo de camerinos del Palacio de la Ópera. «¿Quién falta?», pregunta uno de los cantantes de La flauta mágica, cuyas dos funciones tendrán lugar los próximos días 25 y 27 de este mes. El encuentro reunía en dicho pasillo a nueve de las 16 voces que interpretarán esta ópera de Mozart. Todos tienen en común que son gallegos y aprovechan para tomar contacto con el escenario. Aunque no faltan las bromas y chascarrillos entre los procedentes del norte y los del sur de Galicia, el ambiente es el de un grupo que disfruta, y mucho, con lo que están haciendo. «¿Tú dónde te colocas?». «Para cantar aquí con esta pendiente hay que estar atenta». «Nosotras estaremos por esta zona». Son comentarios ya sobre un escenario que está empezando a ser instalado.

«Cuando hicimos Madame Butterfly había muchos gallegos, pero ahora La flauta mágica tiene 16 cantantes (en realidad son 18 porque dos de nosotros doblamos) y nueve somos gallegos». Lo destaca el tenor Pablo Carballido, uno de los participantes en la ópera en la que, junto con el barítono Pedro Martínez Tapia, interpreta «a los sacerdotes que están en el templo y también a dos soldados». Carballido está contento por partida doble: «Es un orgullo muy grande tener de compañeros a cinco que han sido mis alumnos».

Martínez Tapia, que también es amigo, es uno de dichos alumnos. Esta es la cuarta ópera en la que participa, además de actuar en el ciclo As novas voces galegas que promueve la Temporada Lírica. «Es la plataforma de salida para los cantantes. En términos futbolísticos diría que aquí hay cantera y además hay entrenador que confía en esa cantera, que se atreve a apostar por ella», afirma del ciclo. «Lo que estás haciendo es actuar rodeado de los mejores cantantes del mundo, haciendo un período de rodaje y aprendes muchísimos viéndoles trabajar, como se toman la profesión… Es una oportunidad maravillosa», afirma, en referencia a su desarrollo.

Borja Quiza es Papageno

Uno de los personajes de La flauta mágica que genera más empatía entre el público es Papageno, que interpreta Borja Quiza: «Lo que quiere es comer, dormir, es también una especie de narrador que comenta cosas al público». Con todo ello, apunta Quiza, «el papel no tiene la complicación vocal de otros papeles, no tiene una línea de canto especialmente difícil, pero hay muchísimo texto, muy rápido y en alemán, con la dificultad de esta lengua y sus consonantes». Es la primera vez que hace este papel y «es algo especial hacerlo en casa», apunta el barítono, tras reconocer que ha hecho «de todo en el Festival Mozart», precedente de la Temporada Lírica. Sobre la presencia de nueve gallegos encima de las tablas es rotundo: «La energía que hay sobre el escenario es la que se transmite al público, hay un ambiente de trabajo muy bueno y hay empatía esto hace que funcione muy bien todo».

Y a Papagena le da vida la soprano ferrolana Patricia Rodríguez, que también participó en el ciclo de As novas voces galegas y en el 2012 debutó en el Festival de la Ópera de A Coruña con la obra Nabuco. Rodríguez ha tenido que formarse fuera de su ciudad natal. «En los roles de ópera estoy empezando a tener oportunidades en Coruña», dice, aunque también ha actuado en Madrid, Oviedo y otras ciudades. Es la primera vez que vive la confluencia de nueve gallegos en una misma ópera. «Me parece algo fantástico, se agradece muchísimo ver que a tanta gente de aquí le están dando oportunidades cuando no es tan habitual, pero es algo que está pasando cuando hay tanta gente saliendo fuera», afirma.

La mezzosoprano viguesa Nuria Lorenzo asegura que estar «trabajando en escena con los maestros de Els Comediants [Joan Font es el director artístico] es una gozada». Por último, las sopranos Carmen Subrido, natural de Santiago, María Lueiro García y Nuria Lemos Martínez, las dos últimas coruñesas, completan las voces de esta flauta mágica de los gallegos.

«Es buena para iniciar a la gente», asegura Joan Font, de Els Comediants

Joan Font, componente de Els Comediants, asegura que La Flauta Mágica, de la que es el director de escena, «es una pieza muy buena para iniciar a la gente porque hay papeles que no son complicados». En este sentido, el que fuera responsable de la ceremonia de clausura de las olimpiadas de Barcelona 92, argumenta que esto «da pie a que si hay un director así de vivo, que los pueda introducir en este mundo y que estos cantantes tengan su oportunidad; por ejemplo, las tres damas de la Reina dan juego, Papagena es un personaje con el que se puede jugar, los sacerdotes… Todos son personajes asequibles, salvo tres o cuatro que deben ser interpretados por expertos». Font demuestra que conoce bien a este grupo de cantantes: «Tienen muchos amigos que han estado en La pequeña flauta mágica. Esto  sí que es cantera real porque estás con el público real y con el infantil, que puede ser muy cruel porque a los niños cuando no les gusta una cosa pasan de todo y te dejan tirado». Sostiene Font que cuando estos cantantes tienen ocasión de actuar «se van formando, van aprendiendo; es lo que hay que hacer: hay que pisar las  tablas porque vas a una escuela y está muy bien pero tienes que pisar el terreno, en todos los oficios pero más en este que es mucho de comunicación, de dar las claves».

Homenaje a Antonio Campó

Uno de los cantantes que en su día debutó en el Festival de Ópera de A Coruña fue Antonio Campó (Gijón, 1922-A Coruña, 1998), al que están dedicadas estas dos funciones de La Flauta Mágica ya que se cumplen 60 años de dicho debut. Campó está considerado como el Don Juan por antonomasia, «el cantante español que mejor encarnó al protagonista de la ópera de Mozart», destacan los organizadores de la Temporada Lírica.

Fuente: http://www.lavozdegalicia.es/noticia/musica/2015/06/18/flauta-magica-gallegos/0003_201506G18P41995.htm

Por Opera World · 10 junio 2015

Angela Meade

El pasado día 6 de junio pudimos disfrutar, en el palacio de la ópera y dentro de la temporada lírica de A Coruña, la versión en concierto de este título rossiniano. Rossini puso música al libreto de Andrea Leone Tottola que nos cuenta las desventuras de la familia real troyana quiénes, tras la derrota de su polis, han sido esclavizados en Epiro. El rey Pirro, dejando a su prometida Ermione, se enamora de la cautiva Andrómaca (viuda de Héctor). A su vez Orestes, enamorado de Ermione, es inducido por la despechada protagonista quién, producto de la locura y lo celos, lo ha convencido para asesinar a Pirro. Como trasfondo, el miedo de los griegos a que el joven heredero al trono de Troya, Astianacte (hijo de Héctor y Andrómaca), pueda vengar su reino una vez que sea adulto .

La ópera, la sexta de las nueve que Rossini compuso para los teatros de Nápoles, se estrenó el 27 de marzo 1819 y, tras esa primera función, no volvió a reponerse hasta 1987 en el festival de Pésaro. Quizá su difícil y gran orquestación, la dificultad vocal y el hecho de que las complicadas arias de sus protagonistas no sean muy conocidas, por el público en general, han hecho que sea una ópera que se representa a cuentagotas en la actualidad. Sin embargo, en La Coruña, tuvimos un gran elenco y una excelente orquesta que nos permitieron disfrutar de este raro título.

Ángela Meade (Ermione) es una soprano en continua progresión. Sus facultades de soprano dramática, con agilidades, son ideales para este rol que, no en vano, fue estrenado por Isabella Colbrán. Posee la norteamericana una voz timbrada, bella, grande y muy melódica. Dotada de un gran registro agudo en punta, de un magistral uso de los reguladores y de un eficaz canto di agilitá. Muy aplaudida y braveada fue su interpretación de la gran escena del Acto II: “Essa corre al trionfo … Amata, l´amai”.

Apabullante fue Michael Spyres (Pirro). El de Missouri es un auténtico baritenor rossiniano. Está dotado de un registro amplísimo y nos exhibió un registro de más de 2 octavas y media. Su voz es homogénea en toda la extensión, timbrada, con unos graves bien colocados (sin trucos ni gangas) y una excelente ascensión al agudo. Espectacular fue su gran aria “Balena in man del figlio” y la posterior cabaletta “non pavento …” dónde exhibió todos sus medios y pudimos disfrutar de un auténtico y puro “canto de sbalzo”. Quizá no tenga los medios y caudal de un Merritt, pero puede que una mejor línea de canto y estilo. Si acaso, y por decir algo, alguna nota se le quedaba colocada un poco atrás en el registro agudo, lo que le hacía perder igualdad por arriba, pero ello no es óbice para el gran actuación vocal que nos ofreció Spyres en este exigentísimo rol.

La otra vocalidad tenoril rossiniana, el contraltino, fue encarnada por Barry Banks (Orestes) también magnífico. Timbre claro, ágil, limpio, homogéneo perfectamente apoyado en la máscara y emitido, sin atisbos de nasalidades. Con gran técnica y facilidad para emitir las notas altas brilló también, al igual que Spyres, en todas sus intervenciones con especial mención a la dificilísima “Reggia aborrita … Che sorda al mesto pianto” y en el dúo final con Meade: “Sei vindicata! …”.

Alberto Zedda

También estuvo soberbia la mezzo Marianna Pizzolato (Andrómaca), dotada de una voz lírica y melódica interpretó con gran musicalidad su cavatina del acto I “Mia delizia! Un solo instante …”. La verdad, es que fue un auténtico lujo haber podido disfrutar de este cuarteto protagonista en la ópera y tienen, gran parte de culpa, del éxito de la representación.

Nicola Ulivieri (Fenicio) puso sus medios y bella voz de bajo para dar vida al antiguo tutor y amigo de Pirro. Eficaz fue su aportación en toda la ópera. El tenor Francisco Pardo (Pílade) resolvió, pese a que quizás no era su estilo, este difícil cometido. Cumplió con el aria/duo del I acto de Orestes “Ah!, come nascondere …” y estuvo brillante, como el resto del reparto, en los difíciles concertantes de esta magistral obra rossiniana. Destacar también, pese a la brevedad de sus roles, a los jóvenes cantantes de la curso de interpretación vocal de Zedda: Maria Lueiro (Cleón), el tenor Diego Neira (Atalo) y la mezzo Flor Van der Suis (Cefisa).

Decían Tavernier y Coursudon en su diccionario 50 años de cine norteamericano que: “pasan las modas, se olvidan los cineastas, se ajan las efímeras glorias. Pero John Ford queda.”. Lo mismo podemos decir de Alberto Zedda. Al maestro le debemos el conocer a Rossini tal y como lo conocemos y se interpreta hoy en día. No vamos a descubrir nada nuevo, hay otros grandes directores rossinianos pero Zedda es Zedda. Inteligente, cuidada y briosa fue su dirección al frente de la Sinfónica de Galicia que, como no podía ser de otra forma, volvió a demostrar su grandísimo nivel en esta dificilísima partitura rossiniana. Zedda estuvo atento, en todo momento a las entradas e indicaciones tanto de los solistas como de la orquesta. Un auténtico placer haber podido disfrutar de esta Ermione, con Zedda, en La Coruña. También cabe destacar al coro de la Sinfónica de Galicia, dirigidos por Joan Company, quienes realizaron una gran labor ya desde su lúgubre intervención que corta el preludio: “Troia!, qual foste un dí!”.

En definitiva: un gran título operístico que poco se representa, un magnífico reparto, una brillante orquesta dirigida por una personalidad como Zedda … todos los ingredientes para disfrutar, como disfrutamos, los que asistimos al Palacio de la Ópera de La Coruña el día 6 de junio. Una vez más destacar y agradecer la gran temporada que los Ámigos de la Ópera de La Coruña y la Sinfónica de Galicia han puesto en pié en la ciudad herculina y desearles todo lo mejor para que nos puedan seguir ofreciendo veladas como está y de un título del que Rossini decía que era como su Guillermo Tell pero en italiano

Daniel Diz

Del mismo modo que se asimila en nuestros días a Riccardo Muti con la obra de Verdi o a Barenboim con Wagner, Alberto Zedda es el alquímico que ha penetrado como pocos en la producción de Rossini, el compositor que lo inventó casi todo en el romanticismo operístico italiano, que supo llegar, triunfar y retirarse antes de cumplir los 40. El veterano maestro milanés, afincado desde hace años en La Coruña, ha dedicado su vida a desentrañar la mística del autor de Pésaro, y a trasladarla al gran público con una labor marcada por la pedagogía y la admiración al músico. Esta semana tiene una nueva cita en la capital herculina con «Ermione», un título que no se representa en España desde principios de los 80, cuando Montserrat Caballé la protagonizó en el Teatro de la Zarzuela.

«¡Ermione, qué amor tremendo!», reflexiona el maestro mientras toma un té, «es una ópera casi expresionista», que «alcanza una idealizada violencia de emociones fuertes, de gran dramatismo, de sentimientos llevados al extremo». Para Zedda, no es sino «una visión totalizante del amor» dentro del humanismo rossiniano, ese que contempla el drama desde «la distancia, sin juzgar, sin tomar parte», sin decir quiénes son los héroes y los villanos de sus óperas. «Ermione es una ópera negrísima, pero la música aporta una respuesta sostenible, no se deja atrapar por la tragedia que está contando», revela Zedda.

¿Y por qué eligió «Ermione» para su cita anual con La Coruña? «No hay una razón particular», porque tampoco es «la más hermosa» de las óperas rossinianas, pero sí «es el extremo más avanzado de dramatismo hecho con un sistema compositivo antidramático», y que por si fuera poco «llega a la máxima expresión consentida a la voz humana». Ojo a quien quiera llevarse por la «falsa simplicidad de Rossini». «Quedarse en la superficie te da una buena tarde y te entretienes», admite, «pero si se va más al fondo,la música dice cosas muy importantes y trascendentes, te hace reflexionar».

Para la función única de La Coruña, en versión concertante, habrá un reparto de gran nivel, con la soprano americana Angela Meade tomando el rol protagonista, junto a la mezzo Marianna Pizzolato y los tenores Barry Banks y Michael Spyres. Cuatro consumados estilistas que deberán «participar activamente en la creación». «Si el cantante se limita a dar las notas, con corrección, apreciamos la técnica pero pasado un rato deja de interesarnos».

La carrera de Zedda son más de cincuenta años con la batuta en la mano, y sin embargo no es rehén de la nostalgia de tiempos pasados. «La función más hermosa es la que se canta mañana por la noche», evoca, «hoy se canta mejor que antes», porque los intérpretes «poseen una mayor conciencia del autor y el estilo». Sonriente, como el niño que se esconde tras sus brillantes y pícaros ojos, Zedda termina su té y vuelve a sumergirse en la partitura. Rossini le espera.