Julio Andrade Malde

Qué magia tiene la obra de Mozart que llena una y otra vez el Palacio de la Ópera? En dos funciones hubo sendos llenos; casi 3.500 espectadores. Tantos como la primera vez que se hizo esta misma producción en el 2001. La segunda vez que se dio, en 2003, fueron tres sesiones; unas 5.000 personas. Cifra asombrosa para una ciudad de 250.000 habitantes (si se quiere, 400.000, incluyendo el hinterland). Si se guarda la debida proporción, ¿cuántas funciones tendrían que hacerse en París, Londres, Berlín, Madrid? Esta Flauta parece poseer un poder para congregar oyentes como el que tenía el Flautista de Hamelín para reunir niños. Se han realizado más representaciones de la obra a lo largo de estos años: una en 2004, versión abreviada, de carácter didáctico, con la misma producción; otra en 2007, con diferente dirección escénica y resultado más bien discreto. En la actual, se mantienen la belleza, la magia, el simbolismo, el encanto y la inteligencia. La Orquesta, muy bien dirigida por Pons, fue aclamada al final, con toda justicia. A la cabeza de los violonchelos, pudo observarse la satisfactoria presencia de David Ethève, ausente durante un tiempo de la Sinfónica, por enfermedad ya superada. Excelente el Coro de la OSG; una cuidadosa preparación de Joan Company lo condujo a un éxito clamoroso. Entre los cantantes, triunfó Corujo, con una preciosa lectura de su difícil parte. Estuvo muy bien Helena Orcoyen, que sustituía a Mª José Moreno (la Reina de la Noche, en 2001); y Quiza, con sus innegables -¿un poco excesivas?- dotes escénicas que le ganan el favor del público. Bien, David Sánchez, aunque muy escaso de registro grave. Y discreta Mariola Cantarero, muy lejos de aquella Lucia que cantó aquí mismo con gran éxito en 2004. Excelente, Zapata, en un papel muy por debajo de sus facultades. Y muy notable Patricia Rodríguez Rico, una Papagena de preciosa voz. El resto de cantantes, gallegos en su mayor parte, a muy buen nivel.

La Temporada Lírica de A Coruña se apunta un tanto importantísimo corriendo el riesgo de volver a ofrecer en España Ermione –la sexta de las nueve óperas que Rossini escribiera para el San Carlo de Nápoles, y una de sus partituras más complejas-, después de casi tres décadas de ausencia en nuestro país. Si ya el hecho de levantarla ha de considerarse un reto, lo es más aún teniendo en cuenta que la Temporada hubo de sobreponerse a la caída progresiva de la totalidad del cast inicialmente anunciado, y, a pesar fue capaz de reclutar un reparto completamente nuevo y alcanzar –incluso quizá sin grandes nombres mediáticos- un éxito sin precedentes, que probablemente sea una de las funciones operísticas más importantes del año en nuestro país, por todo el cúmulo de circunstancias que en ella confluyeron: la rareza de la recuperación y el sobresaliente éxito artístico alcanzado.

Cuando Rossini estrena Ermione en 1819, el fracaso fue estrepitoso, y la obra durmió el sueño de los justos hasta que en 1987 el Festival de Pésaro se decidió a repescarla. El fracaso del estreno no es de extrañar, porque el Cisne de Pésaro desafió con esta ópera todas las convenciones estilísticas de la época, consagrándose como un verdadero adelantado a su tiempo: la estructura apuesta decididamente por fomentar lo dramático a través de la música, se requieren al menos seis cantantes de primer nivel para hacer justicia a la partitura, dispuestos a bregar con una escritura inclemente; y lo particular de la estructura de los números –casi siempre planteados como grandes escenas concertantes en los que destaca uno o más solistas más que como meras arias- hace que si alguien del elenco falla, el conjunto pueda naufragar. Puede que el público de Nápoles no estuviese preparado para algo de tal complejidad, pero hoy en día hay que saludar Ermione como una de las más complejas y elaboradas partituras de todo el catálogo rossiniano. Así las cosas, hay quien dice que montar Ermione en condiciones es un reto imposible; pero si esto fuese así, habría que reconocer que lo que se consiguió en la función coruñesa fue precisamente eso: alcanzar lo imposible. Porque esta fue una de esas veladas en las que todo, absolutamente todo, estuvo en el sitio preciso en mayor o menor medida.

Debutaba en Galicia y en el complejo rol protagonista la soprano estadounidense Angela Meade, que se está labrando en apenas siete años una carrera importantísima como diva favorita del Metropolitan de Nueva York. La parte protagonista de esta ópera requiere de una soprano dramática de agilidad en toda regla, no solo capaz de moverse cómodamente por una escritura de gran exigencia, sino además segura en los numerosos pasajes di forza que presenta el rol. Meade presenta una voz poderosísima, bien timbrada en toda la tesitura y nunca forzada en la emisión; además, tiene un gran sentido del belcanto, sabiendo administrar bien sus brillantes variaciones. Y, lo más importante, frasea con garra y ardor, creando un personaje dramáticamente pleno y convincente a través de la voz: una actriz vocal verdaderamente carismática. Se le puede reprochar quizá cierta falta de italianitá –la voz es de escuela típicamente americana-, y unas coloraturas por momentos imprecisas –aunque muy bien planteadas dadas las dimensiones del instrumento-, pero no deja de ser una primerísima opción para este rol. Su gran escena del segundo acto “Essa corre al trionfo…Amata l’amai” encendió razonablemente al auditorio, porque fue una demostración de medios y estilo de primer orden.

Es Ermione una ópera de tenores, en la que Rossini saca toda la artillería pesada dentro de sus experimentaciones con esta cuerda. La sensación de la noche fue la presentación en la plaza de Michael Spyres, en la peliaguda parte de Pirro, escrita para la vocalidad de baritenore, tan típica de los grandes dramas de Rossini y tan difícil de encontrar. Spyres se consagró como un verdadero baritenore con todas las letras, haciendo gala de una extensión de casi cuatro octavas, sirviendo peligrosos saltos interválicos con insultante seguridad, y cantando con homogeneidad tímbrica en todo el registro y un sentido del apoyo que hace que todo fluya de forma segurísima. El registro grave –con notas de extensión de verdadero barítono- es redondo y sólido, y el agudo es suficiente –aunque puede que no tan apabullante como el resto de la tesitura-. Y, más allá de esto, su sentido del legato es también ejemplar, mostrando que aquí hay un cantante musicalísimo. Cantar hoy en día su gran escena “Balena in man del figlio” como lo hizo él parece prácticamente imposible. Si bien es cierto que creo que es un cantante destinado a brillar en un repertorio muy concreto –el de baritenore rossiniano, quizá porque el agudo no es tan atrayente como el resto de la tesitura-, estamos ante un auténtico fuoriclasse para este tipo de roles: celebradísimo, y para mí el gran triunfador del reparto.

A la parte de Oreste –un tenor contraltino de tesitura agudísima e insistente en el do de pecho-, Barry Banks nos hizo rememorar al gran Rockwell Blake –experto en este rol y un viejo conocido de esta plaza-. Banks se lanza al vacío en este rol peliagudo, dando todas las notas, sin esconderse: puede que la voz no sea especialmente atractiva, pero es penetrante y segura en el agudo –squillante-, y responde a todos los requerimientos del rol sin fatiga aparente,. Su “Reggia aborrita!” –otro número imposible- mostró a un cantante aguerrido, y recordar al mismísimo Blake en un teatro en el que ha cantado tanto debe ser tomado como un importante elogio. Es, desde luego, otro cantante a tener en cuenta, claramente superior a muchos compañeros de más renombre que abordan hoy día este rol.

Completó la tanda de tenores principales el local Francisco Pardo, que se hizo cargo de la parte de Pilade –que no por ser más breve es menos compleja…-, salvando el escollo de manera adecuada y valiente, quizá no sin esconder cierto esfuerzo. Pero se trataba de una prueba de fuego que debe valorarse como claramente positiva.

Marianna Pizzolato –que volvía a La Coruña tras una ausencia de nueve años en los que ha crecido muchísimo como artista- sirvió una Andromaca llena de musicalidad con un timbre hermosísimo –cálido, personal y homogéneo-; con un registro central redondo y un agudo muy bien resuelto. Una voz, en suma, que seguramente luzca mejor en los pasajes de canto spianiato que en los de coloratura: por eso la escritura de este rol le queda tan cómoda y hace que luzca tan bien. Además, empastó de manera formidable con sus compañeros en los conjuntos.

En el rol de Fenicio, Nicola Ulivieri –otro viejo conocido del público coruñés, que regresaba tras larga ausencia- sigue siendo el bajo sólido de siempre, si bien la voz –hoy de color más claro que hace algún tiempo- seguramente ha perdido algo de aquella rotundidad del pasado, característica que queda sobradamente compensada por su conocimiento y refinamiento estilísticos.

En la nómina de comprimarios, la jovencísima María Lueiro defendió con aplomo la parte de Cleone, mostrándose al inicio de una carrera que seguramente dará muy buenos frutos con un interesante material de soprano ligera, brillante en el agudo y de óptima proyección; mientras que tanto Diego Neira (Attalo) como Flor van der Sluis (Cefisa) cumplieron sobradamente con los requerimientos de sus roles de menor compromiso, contribuyendo también al éxito de la velada. Muy en su lugar el coro de la Sinfónica de Galicia.

A sus 86 años, Alberto Zedda –que lleva ya 16 años consecutivos colaborando de manera asidua con la Sinfónica de Galicia: ¿para cuándo el homenaje que se merece?- no solamente es un ejemplo de vitalidad y entusiasmo, sino que continúa siendo la primera opción deseable cuando de dirigir Rossini se trata: su lectura –de gesto particularísimo pero aparentemente efectivo- es chispeante, llena de pulso dramático y cuidadosa con las necesidades de los solistas. Además –lo he dicho ya otras veces, pero hay que repetirlo- nadie entiende el concepto clave de crescendo rossiniano con la claridad del maestro milanés. Bajo su mando, la Sinfónica de Galicia –ampliamente reforzada-, tuvo una noche prácticamente impecable, a la que solo se puede reprochar algún exceso en la percusión o alguna imprecisión de los metales en interno en algún ataque. Por el resto, la orquesta rindió a gran nivel.

Algo menos de tres cuartos de entrada para una función importantísima por el riesgo en la selección del título, el excelente nivel obtenido y el desbordante –y merecido- éxito cosechado. Por proyectos como este –que creo no exagerar si digo que debería ser editado comercialmente- la Temporada Lírica de A Coruña se gana a pulso un lugar de peso dentro de la ópera nacional: por asumir el reto de alcanzar lo imposible y lograrlo.

Qué grande es Rossini! ¡Y qué grande su apóstol, Alberto Zedda! El público coruñés lo aclamó repetidas veces porque lo reconoce como el artífice de éste y de otros maravillosos actos musicales que se han realizado en La Coruña. Cree el maestro que, tras esta velada coruñesa, la ópera de Rossini, interpretada por segunda vez en España y muy pocas veces en el resto del mundo, conocerá días de gloria, como ya sucedió con El viaje a Reims. Porque Ermione, incomprendida en su tiempo al tratarse de una verdadera revolución en el terreno operístico, ha sido apreciada de un modo extraordinario por este público que, después de Pésaro, es el más rossiniano del mundo. Se ha contado -es verdad- con unos medios extraordinarios: una orquesta y unos coros espléndidos y un elenco de cantantes de primerísimo nivel, como el propio maestro director reconoció. Ermione exige una orquesta de alta calidad porque son muchos los momentos en que Rossini, con especial audacia instrumental, la pone a prueba; lo mismo que los coros, siempre muy exigidos y con un rol importante ya desde la obertura misma. La OSG ha estado a la altura del reto; como siempre que se ve comprometida con una partitura difícil. Y el coro, que prepara con tanta eficacia, Joan Company, no le ha ido a la zaga. Tres alumnos de las clases de canto que impartió Zedda el pasado año cubrieron papeles secundarios de un modo espléndido: María, Flor y Diego fueron muy aplaudidos al finalizar la obra. Tras ellos, el tenor coruñés, Francisco Pardo, en notable desempeño de un rol nada fácil; el espléndido bajo, Nicola Ulivieri, de voz poderosa, bien emitida y bien proyectada, que escuchó bravos; al igual que el excepcional tenor lírico-ligero, Michael Spyres, de voz perfectamente igualada y valientes agudos; el sensacional baritenor, Barry Banks, capaz de saltos interválicos inverosímiles para su cuerda, desde las cimas casi inalcanzables hasta las simas más profundas, haciendo posible lo imposible; la mezzosoprano, Marianna Pizzolato, voz idéntica en todos los registros, fraseo perfecto, evidencia de impecable escuela de canto; y, en fin, la protagonista, una soprano que va muy lejos, aclamada repetidas veces, como sus otros compañeros. Una velada inolvidable.

Fuente: http://ocio.laopinioncoruna.es/agenda/noticias/nws-420403-una-velada-inolvidable.html

Isabel Rey; Marianne Cornetti; Juan Jesus Rodriguez ; Ainhoa Arteta; Andrés Veramendi

julio andrade malde 27.01.2015 | 00:57

Continúa la excelente temporada de ópera que nos tiene preparada la Asociación de Amigos de la Ópera de La Coruña para el ejercicio 14/15. Esta vez el turno fue “Attila”, de Verdi, en versión concierto. Suponía el estreno en Galicia de este título. Esta ópera se representó por primera vez en La Fenice el 17 de marzo de 1846, con libreto de Solera basada en el drama teatral“Attila, König der Hunnen” de Zacharias Werner. La ópera tiene unos momentos absolutamente grandiosos – que presagian el Verdi posterior – tales como el preludio, algunas arias de los protagonistas o la escena de los ermitaños tras la tormenta y salida del sol antes de la llegada de Foresto. Estos sublimes momentos que nos ofrece Verdi, compensan algunas lagunas e ingenuidades del libreto de Solera como propio final de la obra: Attila, en teoría el malo, muere emboscado por la mujer que ama, por el felón al que le perdonó la vida cuándo lo quiso envenenar y por el general romano por quién no arrasó Roma. La obra está llena de guiños político-nacionalistas por el momento histórico que vivía Italia y porque Verdi y Solera, como en obras precedentes, sabían como llegar y enaltecer a sus contemporaneos.

Repetía en la ciudad herculina el bajo Luiz-Ottavio Faria, quién ya había cantado el rol de Zaccaria en el “Nabucco” de hace tres temporadas en esta ciudad. ¡Fantástico como Attila!, el único bajo protagonista absoluto en una obra de Verdi. El brasileño posee un impresionante registro de graves bien apoyados, una voz amplia, grande, mullida, pastosa y una gran ascensión al agudo. Además, Faria frasea maravillosamente dotando sus expresiones de verdadero sentido verdiano y musicalidad. Un acierto y una garantía para los roles de bajo verdianos. Magnífico en su duo con Ezio y su aria del acto I “Mentre gonfiarse l´anima” dónde ejecutó, con repetición, la cabaletta conclusiva de la misma llegando sin dificultad al Fa agudo, llenando con su imponente voz toda la sala.

Una agradabilísima sorpresa fue Ekaterina Metlova. Una soprano a seguir y tener en cuenta. Un poco justa en el registro grave (sorprende pues sus inicios en el mundo operístico fueron como mezzo, si bien es cierto que en roles de mezzosoprano lírica) pero con un bello timbre y una voz homogénea, limpia, clara, libre, bien emitida y un fantástico registro agudo como acreditó en su cavatina “Santo di Patria … allor que i forti Corrono” dónde enseño sus credenciales con un espectacular Do. No es fácil la vocalidad requerida para Odabella pero la ucraniana se hizo con él, pues su voz combina la agilidad y el dramatismo necesario para estos personajes femeninos verdianos.

Fantástico el Ezio de Juan Jesús Rodríguez. No lo vamos a descubrir ahora. Timbre rico en armónicos, voz homogénea, bien colocada y emitida sobre el aliento y un potente agudo. En la actualidad, se nos antoja difícil encontrar, un barítono más capacitado en repertorio Verdiano. Mágníficas fueron su aria del II acto “Dagli inmortali vertici” y su intervención en el citado duo con Attila del prólogo, dónde destacó esa grandiosa frase en la voz de Rodríguez: “… avrai tu l´universo, resta a l´Italia a me”. Poco en el “debe” se le puede poner al de Cartaya, si acaso una mayor morbidezza, pero sus virtudes son tantas y tan notables que suplen con creces lo anteriormente citado y estamos deseando que siga añadiendo, a su repertorio, más roles baritonales del genio de Busseto por la belleza de su timbre, su elegante fraseo y la limpieza de su emisión.

Sacó adelante el mexicano Héctor López el exigente y dificil rol de Foresto, sustituyendo al inicialmente previsto Piero Pretti y cumplieron, en sus breves roles, el habitual y eficiente Pablo Carballido (el Charles Anthony del Palacio de la Ópera de A Coruña) como Uldino y el joven bajo David Sánchez como el Papa León, quién tiene una brevísima intervención pero, en su voz, una frase fundamental ene l transcurrir de la ópera y en el propio destino de Attila: “T´arretra! … or chiuso e il varco. Questo de´ numi é il souol!”

Al igual que en el meritado “Nabucco”, en esta ocasión volvimos a disfrutar de la batuta de Keri-Lynn Wilson. Otra triunfadora de la noche. Gran concertadora, la canadiense supo sacar el brío y la energía que tiene esta partitura verdiana y recogerse en los momentos más líricos de la misma (como el preludio o en la escena amanecer tras la tormenta). Fántastica acompañando a los cantantes, marcando los tempi, atenta a las entradas y estando pendientes de ellos en todo momento. La Orquesta Sinfónica de Galicia, perfectamente empastada, volvió a mostrar todo su potencial. Un auténtico lujo para cualquier temporada operística contar con un cuerpo estable con la categoría y el nivel de esta orquesta gallega. No podemos olvidarnos del coro. En esta ocasión le tocó el turno al Coro Gaos. ¡Magnificos!, con especial mención a los hombres quienes tienen más intervenciones dado el carácter bélico y brioso de la obra, como en la intervención inicial en el prólogo de la ópera. Atentos en todo momento a las entradas e indicaciones de la batuta de la directora, de las mejores intervenciones del citado coro. Vaya nuestro reconocimiento al trabajo de su director Fernando Briones.

En definitiva otra gran noche de ópera en A Coruña, con un título fuera del repertorio habitual y esperando, con ganas, la siguiente representación en la ciudad herculina.

17 de enero. Palacio de la Ópera de A Coruña. Versión concierto de “Attila” de Giuseppe Verdi sobre un libreto de T. Solera. Luiz-Ottavio Faria (Attila), Ekaterina Metlova (Odabella), Juan Jesús Rodríguez (Ezio), Héctor López (Foresto), Pablo Carballino (Uldino), David Sánchez (Papa León). Orquesta Sinfónica de Galicia y coro Gaos. Dirección, Keri-Lynn Wilson.

Fuente: http://www.operaworld.es/attila-coruna/

Por Daniel Diz

GOTT IST MEIN LIED

Por Alejandro Martínez
09/01/2015 La Coruña: Teatro Rosalía de Castro. Amigos de la Ópera de A Coruña. René Pape, barítono. Camillo Radicke, piano. Obras de Beethoven, Dvorak, Quilter y Mussorgsky.
No ha sido René Pape un liederista muy fecundo. De hecho se diría que sus acercamientos al género tienen algo de terapéutico para él, como buscando reposar el instrumento y templar la emisión tras un repertorio operístico ciertamente exigente, desde el rey Marke a Sarastro pasando por Felipe II y tantos otros roles con notable carga dramática y exigente escritura vocal. Con demasiada frecuencia se sostiene ese engaño según el cual el lied es un género menor; no ya menor por su seguimiento sino menor por su exigencia musical. Craso error, si repasamos con detalle las partituras, con una infinitud de detalles y demandas a las que debe hacer frente el intérprete.
Sea como fuere, René Pape (que cumpliera 50 años el pasado septiembre) llegaba al Teatro Rosalía de Castro en una de las citas más relevantes del ciclo de Grandes Cantantes organizado por los Amigos de la Ópera de A Coruña, por el que desfilarán también Natalie Dessay o Bryn Terfel. El aforo no respondió con gran derroche de público, a decir verdad, aunque eso no empece el acierto de esta asociación, con su director artístico César Wonenburger a la cabeza, y ahora embarcada en el establecimiento de una temporada lírica estable en la ciudad, con el respaldo del Ayuntamiento y sumando fuerzas con el otrora Festival Mozart y la Orquesta Sinfónica de Galicia. Ojalá otros muchos consistorios municipales españoles mostrasen tanto empeño y empuje a la hora de respaldar una temporada lírica estable.
Con el acompañamiento al piano de Camillo Radicke, Pape presentó un programa con un marcado acento espiritual, específicamente religioso si me apuran, desde los Gellert-Lieder de Beethoven a los Cantos y danzas de la muerte de Mussorgsky pasando muy especialmente por las Canciones bíblicas de Dvorak y deteniéndose brevemente en las Three Shakespeare Songs de Roger Quilter. Pape, que se mostró en plena forma y exultante de medios, ha poseído siempre un instrumento rotundo, homogéneo, ciertamente no muy extenso, pero indudablemente bien timbrado. Su canto es siempre teatral (de forma destacada en su Mussorgski, siniestro e inquietante) aunque la desenvoltura que muestra en escena, cantando ópera, estuvo sin duda menos presente en este caso, más pendiente de las partituras. Cabe destacar y elogiar su exquisita dicción en todas y cada uno de las lenguas presentadas en esta Liederabend, desde su alemán natal al ruso pasando por el inglés y el checo.
El programa escogido, aunque no tuviera nada en común con aquél, venía a ser de nuevo un periplo por esos God, Kings and Demons que protagonizasen su CD de 2008 bajo la batuta de Sebastian Weigle. Las canciones de Beethoven tienen un tono muy particular, propio y reconocible, y una escritura nada fácil de resolver, con la que Pape bregó de forma más que notable. Estas canciones apuntaban ya, no en vano, el hilo conductor de toda la velada, con ese Gott ist mein Lied que se escucha abriendo la quinta canción del ciclo, el “Gottes Macht une Vorsehung”. Las Biblical songs de Dvorak, compuestas en sus años en los Estados Unidos, son un ciclo a reivindicar, por la belleza de su escritura vocal y por la hondura de su dramatismo. Pape ofreció aquí, a nuestro entender, lo más elaborado, maduro y logrado de este concierto, familiarizado con ese tono de plegaria y salmo, solemne, conmovido y conmovedor, que Dvorak requiere de tanto en tanto en este ciclo y con una emisión de gran riqueza, llena de detalles e inflexiones.
Para las tres canciones de Quilter Pape expuso un tono a nuestro juicio demasiado extrovertido, un tanto rudo y envarado, enfático en exceso, diluyendo un tanto la original poesía de Shakespeare que anida en los textos. Por otro lado, como ya indicásemos, su Mussorgsky fue un perfecto colofón a la velada, no sólo por su contrastada lectura en un plano vocal, sino asimismo por la comunicación que asentó asimismo con su mirada y su gesto, verdaderamente siniestro. Aplaudido sin reservas por el público asistente, Pape ofreció tres propinas, comenzando por el Zueignung de Strauss, siguiendo con el Kinderwacht (Wenn fromme Kindlein schlafen gehn) de Schumann y terminando con L´ultima canzone de Tosti, valiente Pape aquí pero ajena la pieza por completo a sus medios y a su estilo. Durante todo el concierto el acompañamiento al piano del citado Camillo Radicke sólo tuvo virtudes, en un diálogo atento, preciso, detallista y sensible con Pape.

julio andrade malde   11.01.2015 |

René Pape dentro del ciclo de Grandes Voces de la Temporada Lírica de A Coruña

Aplicar a Pape los calificativos de bueno y generoso parece más que merecido para este enorme artista. Planteó, generoso, un programa de considerable extensión, con cuatro obras de alta exigencia vocal que, además, amplió con tres bises -dos, de R. Strauss, y L’ ultima canzone, de Tosti-, a requerimiento de un público (igualmente, bueno y generoso) que no cesaba en sus aplausos -incluso, los rítmicos, de inequívoco y unánime significado- y en sus aclamaciones. Su bondad artística se halla en el bellísimo timbre, en el formidable poderío vocal, cuyo control para adaptarlo al mundo camerístico es uno de sus méritos indiscutibles. La expresión corporal sobria, utilizando sólo la voz, del modo más ortodoxo ha sido otra notable cualidad. Y también la capacidad para conseguir una amplia gama de colores, mediante la regulación del volumen y el empleo del registro de cabeza. Añádase a ello, un fraseo impecable y la versatilidad para cantar en diversas lenguas (además del alemán, checo, inglés, ruso, italiano). El pianista, Radicke, fue, asimismo, bueno y generoso porque siempre supo realzar el papel del cantante, sin taparlo nunca y, al mismo tiempo, poner en valor la parte pianística cuando el instrumento de teclado se convierte en vehículo expresivo como en Beethoven (maravillosa, Canción de penitencia), Dvorak (impresionante, Junto a los ríos de Babilonia, que parece inspirada en el schubertiano Viaje de invierno) o en la totalidad del ciclo del siempre genial Musorgsky.

Tributo

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Hugo Alvarez Domínguez

A Coruña, 18/09/2014. Auditorio del Centro Sociocultural AFundación. Concierto: “Entre Dos Orillas, Canciones de Italia y Latinoamérica”. Canciones de Francesco Paolo Tosti, Carlos Guastavino, Carlos López Buchardo, Augusto Brandt, Alfonso Esparza Otero y Juan Quintero. Francisco Corujo, tenor. Ángel Cabrera, piano. Temporada Lírica de A Coruña. Ciclo ‘Otras Voces, Otros Ámbitos’.

Ya he hecho hincapié en reseñas anteriores en la gran pluralidad estilística que ofrece la nueva Temporada Lírica de A Coruña, y el ciclo ‘Otras Voces, Otros Ámbitos’ -en el que, junto a Francisco Corujo, se irán dando cita en una serie de conciertos de pequeño formato artistas como Carmen Romeu o el inclasificable Pino de Vittorio-, que arrancaba con esta cita, es otra buena prueba de ello.

Sirvió el presente concierto como vehículo de presentación del cd que el tenor canario Francisco Corujo -otro viejo conocido de las temporadas de la ciudad- y el pianista Ángel Cabrera han grabado recientemente, dedicado a ese repertorio de concierto tan fundamental para la cuerda de tenor como son las napolitanas de Francesco Paolo Tosti, de reciente publicación en el sello PlayClassics (2014) . Así, la primera parte del mismo estaba íntegramente dedicada al compositor italiano; mientras que la segunda la vertebraban una serie de canciones de concierto latinoamericanas –transitando entre lo culto y lo popular-, más Morucha, de Juan Quintero, como único guiño al repertorio español.

Lo primero que conviene resaltar es la diversidad estilística que separa ambas partes del concierto, incluso a pesar de tratarse de dos géneros relativamente semejantes aún salvando las distancias. Si bien puede parecer que a primera vista estamos ante canciones sencillas, nada hay más lejos de la realidad: porque en ambos casos son canciones que todos los grandes tenores han cantado, y porque los intérpretes deben saber encontrar el equilibrio entre lo culto y lo popular que hay en todas ellas a la hora de interpretarlas. En las napolitanas de Tosti, las versiones de Corujo y Cabrera huyen de sentimentalismos fáciles, y abordan el repertorio desde una óptica más próxima al mundo de la “canción de concierto” que al de la canción popular, procurando subrayar ante todo cuanta indicación se encuentra en la partitura. Es así como este repertorio las cosas que a primera vista podrían parecer pequeñas se hacen grandes. Es el enfoque más difícil, pero también el más valiente.

La voz de lírico-ligero de Corujo se amolda como un guante a este repertorio y a este enfoque, por la calidez del timbre, la variedad y honestidad del fraseo, la comodidad del legato y el cuidado a la hora de administrar los matices dinámicos -en este sentido, su versión de L’Ultima Canzone, por ejemplo, es mucho más precisa y escolástica que arrebatada-. El intérprete tiene además la inteligencia como para lograr que ciertas tiranteces puntuales derivadas de un resfriado puedan incorporarse al discurso canoro más como una cualidad de sinceridad en el fraseo que como un defecto. Tan solo podría ser reprochable la posición de algunos agudos puntuales, pero eso no empaña en absoluto lo que es en líneas generales un hermoso acercamiento a este repertorio.

En la segunda parte, los intérpretes siguieron huyendo de cualquier efectismo gratuito a la hora de interpretar, manteniendo ese enfoque netamente concertístico, lo que permitió apreciar la parte más técnica de estas canciones -en Ya me voy a retirar, por ejemplo, la expresión nunca perjudica la belleza del sonido ni la nitidez de la emisión-. De todo este bloque, solo podría ser discutible el tempo –para mí excesivamente rápido, pero seguro que es una decisión consensuada y meditada de los intérpretes…- con que se acomete la Milonga de dos hermanos, básicamente porque perjudica el seguimiento del texto en una canción fundamentalmente narrativa.

Puede que sea en el último bloque -el que comprendía tres canciones de carácter más decididamente popular- cuando Corujo se suelta definitivamente la melena, y permite alguna concesión de cara a la galería en su canto; siendo el efecto instantáneo en un público al que ya se había metido en el bolsillo previamente por la belleza de su canto. Pero en este tramo final, a lo popularísimo del repertorio se sumaron la seguridad y la plenitud de medios con que Corujo interpretó las canciones, causando el delirio del respetable. Correspondieron los intérpretes con dos propinas: una valiente versión del celebérrimo ¡No puede ser! de La Tabernera del Puerto y la archiconocida napolitana Core ‘ngrato, en una lectura sentida en la que Corujo volvía a mostrar sus señas de identidad a la hora de acercarse a este repertorio.

Ángel Cabrera supo acompañar con la delicadeza y la precisión -pero también con esa incisividad tan fundamental a la hora de abordar el repertorio latinoamericano- que este enfoque intimista pide, siempre al servicio del cantante y en perfecta simbiosis con él. Su trabajo al piano fue sin duda la guinda del pastel, para un concierto que acabó siendo un éxito de público; y que encontró en el pequeño Auditorio de AFundación -unas 300 localidades- el espacio perfecto para resaltar la intimidad que toda la propuesta requería. Un hermoso concierto.

Fuente: http://www.mundoclasico.com/ed/documentos/doc-ver.aspx?id=98bec396-bec0-4e91-aeae-87777463f5fb